"La leggenda del pianista sull'oceano" di Giuseppe Tornatore

Il cinema racconta storie, storie che spesso parlando di vita. A volte lo fa in maniera diretta, in maniera cruda, altre volte la mette sul ridere. Ma ci sono volte che il cinema sembra raccontarci storie di vita, ma che in realtà sta parlando di se stesso.

Come fa Giuseppe Tornatore con il suo "La leggenda del pianista sull'oceano". Racconta la storia di Novecento, ma in realtà sta parlando di Cinema. Tutto il film è una metafora sull'arte del raccontare storie, non a caso quella di Danny Boodmann T.D. Lemon Novecento, il pianista sull'oceano, è una leggenda, una vita che esiste solo se c'è qualcuno a raccontarla. "In fondo non sono mai esistito" dice Novecento all'amico Max Tooney. Ed è proprio Max che farà vivere questa storia raccontandola durante il corso del film a vari ascoltatori (e a noi in primis). Novecento, così come i personaggi di un film, non esiste per il mondo. Solo coloro che sono saliti sulla nave sanno della sua esistenza, nello stesso modo per cui solo coloro che entrano in sala sanno dell'esistenza di quei personaggi. Se nessuno ascolta la storia, se nessuno legge un romanzo, se nessuno guarda un film, quei personaggi restano soltanto parole su fogli di carta. E' "l'ascoltatore" che li rende vivi, esistenti realmente...esistenti (scusate il gioco di parole).

"Anche qui il mondo passava ma non più di 2000 persone per volta. E di desideri ce n'erano, ma non più di quelli che ci potevano stare su una nave, tra una prua e una poppa." Anche in un film c'è il mondo, c'è la vita, ci sono desideri, sogni, dolori, speranze, divertimenti....ma non più di quelli che possono starci in un film, dall'inizio alla fine. Perchè il film ha un fine, non è infinito. L'Autore è infinito e le vite e la magia che può creare in quelle due ore è infinita.

Il dolore per la morte di Danny Boodman, l'amore di Novecento per la ragazza, l'amicizia con Max, il dualismo con Jelly Roll Morton, la speranza dei viaggiatori diretti in America e la gioia negli occhi di chi l'America la vedeva per primo, la paura di una tampesta, la gelosia perchè qualcuno, nella TUA orchestra, attira più attenzione di te. Tutto questo è presente in "La leggenda del pianista sull'oceano". Tutte le emozioni e i sentimenti che possiamo vivere nella nostra vita sono presenti su quella nave, possono essere provate su quel transatlantico, proprio come accade con il Cinema.

Tutto questo il cinema lo racconta e vive ogni qual volta c'è qualcuno disposto a sedersi e ad ascoltare, così come Max Tooney ha potuto conoscere Novecento, la sua storia e il suo talento, solo salendo i gradini di quella nave.

Tecnicamente Tornatore realizza un film intenso, probabilmente il più complesso da realizzare della sua filmografia. E' abile nel mantenere la storia sempre interessante, spiazzando con abilità nei diversi piani temporali. La fotografia fa il suo dovere, "scrivendo con la luce" i diversi stati d'animo e soprattutto le diverse condizioni di vita dei viaggiatori. Le musiche di Ennio Morricone giocano chiaramente un ruolo fondamentale, visto anche la difficoltà del compositore premio Oscar di dover scrivere una musica "mai ascoltata prima". Tim Roth è perfetto e il suo volto da ragazzino ingenuo, ma capace di grande forza espressiva, si adatta benissimo al personaggio di Novecento, così come altrettanto bravo è Pruitt Taylor Vince. Qualche piccola pecca c'è, come un montaggio eccessivo nella scena del duello (che presenta anche degli effetti grafici troppo visibili) o i modellini che anticipano l'esplosione del Virginian. Ma sono inezie, dettagli di un film bellissimo, metafora di quella cosa meravigliosa che è il Cinema e l'arte di raccontare storie.

"Lussuria" di Ang Lee

Paolo Mereghetti ha scritto sul Corriere della Sera: "Ma il risultato, per chi non voglia solo ispirarsi a qualche inusitata posizione kamasutresca, anche qui convince poco: le 28 pagine del racconto di Eileen Chang a cui si ispira il film diventano 156 minuti, con lunghe sequenze ginnico-amatoriali"

Lietta Tornabuoni su La Stampa: "Un ricco polpettone [...] dotato di due uniche cose interessanti: il contesto politico-bellico e le scene di sesso.

Molti altri critici o semplici appassionati, hanno concentrato le loro recensioni sull'aspetto erotico dell'ultimo film di Ang Lee con un susseguirsi di vocaboli come kamasutra, sesso spinto, nudità, ecc...

E' chiaro che la visione di un film dal titolo "Lussuria", porti a puntare la propria attenzione a quelle scene quasi trascurando il resto. Ma mi innervosisce abbastanza vedere come molte persone siano prevenute su un film catalogandolo, ancora prima di vederlo, nella sezione "film sul sesso" oppure "film violento", ecc... Se un tale comportamento è prevedibile in un gruppo di ragazzini con poca cultura cinematografica, non dovrebbe esserlo in adulti teoricamente "esperti" di cinema e che invece si sono seduti in sala come se stessero vedendo un film porno (se avessero potuto portare avanti velocemente le scene di dialogo per arrivare a quelle di sesso lo avrebbero fatto senza problemi).

Ho voluto cominciare con questa premessa non tanto perchè "Lussuria" sia un capolavoro, ma perchè è comunque un film elegante e raffinato, molto ben recitato e che va ben oltre alle scene di sesso.

L'eleganza e la perfezione formale con cui Lee racconta la sua storia è impeccabile così come il gioco di sentimenti tra Mr.Yee e Wang Jiazhi fatto di sguardi e sussurri. La freddezza glaciale di lui, elaborata dopo anni di timori e crudeltà dovute al suo lavoro, viene lentamente intaccata dalla donna e Lee lo sottolinea proprio attraverso quelle scene di sesso che passano dal quasi stupro iniziale ripreso in totale a quei splendidi quadri plastici di corpi intervallati da primi piani che avvicinano lo spettatore sempre di più ai protagonisti con il crescere della loro passione.

Guardando "Lussuria" il primo film che salta alla mente è "Notorious" di Hitchcock . Anche lì una donna deve corteggiare l'acerrimo nemico, ma nel film di Ang Lee entra in scena un aspetto che sicuramente sarebbe piaciuto molto al maestro del brivido, ovvero quella sorta di sadismo e di pseudo-necrofilia che costringe Wang Jiazhi ad andare a letto con un dead man walking, un uomo morto che cammina.

Altra sequenza splendida è quella che potremmo definire della "perdita della verginità". Non solo quella sessuale della protagonista, ma anche quella perduta dai suoi compagni, che in un vero e proprio "battesimo di sangue" vengono sverginati all'omicidio affondando a turno il coltello nel corpo di un collaborazionista. La strada verso il loro destino è ormai segnata.

"Lussuria" di certo non è carente di difetti. Il finale è piuttosto prevedibile e il film mantiene sempre lo stesso livello emozionale non decollando mai del tutto. Come con "Brockback Mountain" anche qui Lee dilunga un po' troppo la storia, anche se non ci sono molte scene inutili. Ma rispetto al suo predecessore qui equilibria meglio la narrazione passando con abilità dallo sfondo politico, agli ideali patriottici dei ribelli, ai sentimenti tra i due protagoniti. Lo snodo interessante nella psicologia di Mr.Yee, ovvero la scelta se continuare a seguire i suoi ideali politici e giustizziare l'amata oppure se aprire definitivamente la sua corazza e lasciarsi andare ai sentimenti, si risolve nel modo migliore sia per il contesto storico-politico della vicenda sia per la fedeltà al personaggio.

Insomma come già detto "Lussuria" non è un capolavoro, ma sicuramente è un'opera molto più profonda e di qualità, che non merita certo di essere frettolosamente catalogata come un film con scene di sesso.

"Eastern Promises" di David Cronenberg

"Eastern Promises" non è un brutto film, ma delude completamente le aspettative.

Perchè in sostanza non racconta nulla e non decolla mai veramente.

Sono tre le storie che compongono il tessuto narrativo del film. Gli omicidi legati alle voci diffamatorie contro Kirill; lo stupro della 14enne; Nikolai infiltrato nella famiglia mafiosa.

Tutte e tre le storie finiscono per risultare superficiali, quasi secondarie e nessuna viene approfondita a dovere. La prima avrebbe il compito di introdurci nelle "faccende famigliari" dell'organizzazione mafiosa, ma alla fine si riduce a un omicidio e ad una vendetta senza approfondire che cosa ci sia di vero in quelle voci, perchè siano state messe in giro, da chi o che rapporti ci siamo tra la famiglia e i clan rivali. Certo sono cose che si può intuire, ma tutto viene lasciato stare, risultando solo un pretesto per la splendida scena di lotta nel bagno turco.

Lo stupro avrebbe lo scopo di far precipitare Anna nel mondo violento e duro della mafia russa, un po' come accadeva a Kyle MacLachlan in "Velluto Blu". Anche lui indagava su qualcosa di losco e vi cadde dentro fino in fondo. Anna, invece, quel mondo lo sfiora appena, non ci finisce dentro praticamente mai. Il bene che lei rappresenta e l'amore per la bambina la spingono a capire ad approfondire, ma di quel mondo ne sente appena l'odore e alla fine la sua storia rimane incompleta e ha solo il pretesto di trovare una motivazione per poter arestare Semyon. Anche lo stupro vero e proprio rimane una storiella di fondo di cui Semyon sembra protagonista secondario.

La storia di Nikolai invece, (interpretato da un ottimo Mortensen) parte con una puzza di "già visto" che preoccupa. E' l'autista desideroso di far carriera, (ricorda il Gangster Paul Bettany di "Gangster n°1"), dà l'impressione di dover diventare il preferito dal "boss" a discapito del figlio, legittimo erede al trono, ma troppo istintivo e stupido per governare. Alla fine lo diventa, ma è tutta un'impressione. Appena scopriamo che in realtà è un infiltrato, ma soprattutto che non è affatto il pupillo di Semyon, il film finisce. Il RE viene spodestato nel silenzio con una facilità allarmante. Del principe possiamo intuirne la fine e di tutto il resto ne sentiamo appena l'odore.

"Eastern Promises" poteva essere uno splendido spaccato sulla mafia russa. Cronenberg ha la forza visiva necessaria per raccontarlo e avrebbe potuto farne un capolavoro con il potenziale che il film aveva. Peccato che si è trovato a raccontare una storia che praticamente non esiste, che non crea nè pathos, nè tensione, nè porta lo spettatore ad affezzionarsi alle sorti dei protagonisti (anche perchè non sono mai veramente in pericolo) con un finale dal buonismo assurdo.

Peccato.

"Paranoid Park" di Gus Van Sant

“Nessuno è mai pronto per Paranoid Park” dice Jared ad Alex, il protagonista del film. Alex, come skater, non è pronto per Paranoid Park, il più malfamato e affascinante parco per praticare skatebord della città. Ma soprattutto, Alex non è pronto come uomo a quello che Paranoid Park riserverà per lui.

“Paranoid Park” non è un thriller, anche se c’è di mezzo un omicidio. Non è neanche un film sul mondo delle tavole a rotelle, anche se il protagonista è un appassionato di skatebord. Paranoid Park è un film su una convivenza. Quella tra Alex e il suo segreto. Tra Alex e le sue paure, i suoi timori, le sue ossessioni.

Gus Van Sant firma un film splendido, intenso, girato magistralmente, costruito come un puzzle che lentamente si compone unendo insieme tutti i tasselli della storia. Una struttura narrativa come questa, fatta di continue analessi che ci portano avanti e indietro nel tempo, tenendoci nascoste informazioni sui personaggi e sugli eventi raccontati, è tipico del thriller. Proprio per la sua caratteristica di celare all’inizio per poi distillare le informazioni nel corso del film, si applica bene in una indagine, in una storia del mistero. Van Sant usa questa struttura per scopi diversi. Non per nasconderci l’identità dell’assassino o l’omicidio in sé, ma per scendere in profondità nella mente di Alex. Indagare le conseguenze prima di scoprire le cause.

“Paranoid Park” non è un thriller anche perché non c’è una ricerca del colpevole, ne un giudizio morale sulle azioni del protagonista. Alex è Alex, un ragazzo qualunque che decide di tenere per sé il suo segreto e raccontarlo solo alle pagine di un diario. Un diario che si dissolverà tra le fiamme di un falò dove oltre al suo segreto, scompare per sempre l’innocenza di quel ragazzo qualunque. Van Sant segue Alex per la quasi totalità del film. Lo segue come uno spettatore esterno, che guarda ma non giudica. Che ascolta ma non commenta. Lunghi piani sequenza e rallenty seguono Alex che cammina tra i corridoi della scuola dopo l’interrogatorio della polizia, che scrive seduto su una panchina, che si allena con lo skate, che fa sesso, sempre e comunque condividendo tutto questo con il suo segreto. Con il suo senso di colpa, che urla con forza dietro a un silenzio assordante.

Splendida la scelta del cast. Una carrellata di volti veri, autentici. Come autentico è lo spaccato generazionale registrato da Gus Van Sant. Consigliato a tutti quelli che credono che i giovani siano quelli fotografati da Moccia.

"Brokeback Mountain" di Ang Lee

La mancata vittoria del film di Ang Lee agli Oscar ha suscitato qualche polemica. Motivo: gli uomini dell’Academy non hanno voluto premiare una pellicola che narrasse di un amore gay. Ora, gli Academy Awards spesso e volentieri sono stati assegnati (o non assegnati) senza tenere molto conto della reale qualità artistica di un film. Spesso e volentieri le reali motivazioni dietro alla scelta dei vincitori sono perlopiù legate a questioni politiche.

In questo caso però, mi sento di dire che la scelta di non premiare “Brokeback Mountain” come Miglior Film è corretta. Il film è sicuramente di buon livello, ma presenta alcune lacune dal punto di vista narrativo che gli impediscono di essere un ottimo film.

Brokeback Mountain è la storia di un amore. L’amore tra due uomini costretti per lavoro a convivere per lungo tempo sulle montagne per sorvegliare una mandria di bestiame. Tutto ha inizio quando una sera i due cowboy, entrambi etero e fidanzati, si lasciano andare ad un intenso rapporto sessuale. Rapporto che ha tutte le sembianze di uno sfogo di istinti sessuali a lungo repressi. Consumato in fretta, selvaggiamente. Qualcosa però scatta tra i due protagonisti e l’amicizia si trasforma in amore. Amore che sembra essere nato dal nulla. Non si sa infatti che cosa attragga l’uno all’altro e anche se è chiaro che i due protagonisti provino un amore molto forte, purtroppo si finisce per pensare che più che una storia d’amore si sia di fronte a una storia di sesso. I due infatti torneranno a incontrarsi negli anni, ovviamente di nascosto dalle rispettive consorti, principalmente per fare l’amore. Inoltre la scena con i due che corrono felici sui pendii di Brokeback è degna di una romantica commediola adolescenziale.

È vero che in molti film l’amore tra i protagonisti nasce quasi dal nulla e soprattutto in brevissimo tempo, ma quelle sono commedie sentimentali, storie romantiche principalmente costruite sull’immagine di un amore tanto romantico e fatato, quanto irreale. Ma qui siamo alle prese con un film d’autore, che perlopiù tratta un argomento come l’amore gay che il cinema a stelle e strisce, spesso, è stato refrattario a raccontare. Lee forse ha avuto paura a spingersi in profondità nel cuore della storia d’amore, mantenendo il rapporto tra i protagonisti su un piano più fisico e superficiale (la patetica scena dei due che corrono felici sui pendii di Brokeback come se fossero in un film adolescenziale è lì a dimostrarlo). Peccato perché sarebbe stato molto interessante indagare di più sui sentimenti per cercare di capire che cosa Ennis trovi di unico in Jack che nessun’altra persona è in grado di dargli (e viceversa).

L’altro aspetto narrativo che lascia a desiderare è l’arco temporale in cui si svolge la vicenda. L’amore dura per decenni e i due protagonisti torneranno ad incontrarsi ancora e ancora. Scorrere del tempo che però è difficile da seguire. Non si sa mai quanto tempo sia passato da una scena all’altra o se effettivamente sia passato del tempo. E poi non bastano un paio di baffi per fare di Gyllenhaal, 25enne quando il film è stato girato, un maturo padre di famiglia (è già difficile vederlo padre di tre figli in “Zodiac”). E quando Ledger incontra la figlia alla fine del film, più che il padre sembra il fratello maggiore, se non addirittura il fidanzato. Ed è proprio la seconda parte del film a risultare lenta e piuttosto noiosa, con questo dilatarsi inutile degli eventi che non fanno mai decollare il film.

In ogni modo “Brokeback Mountain” è un buon film, intenso e importante perché finalmente rompe un tabù che ha resistito troppo a lungo ad Hollywood. Peccato per una certa incuranza nella stesura della sceneggiatura che rischia di portare lo spettatore a perdersi più nei bellissimi paesaggi splendidamente fotografati, che nella storia d’amore vera e propria.

"Sicko" di Michael Moore

Che cosa hanno in comune Sicko, Flags of our fathers e Nella valle di Elah? Che cosa può accomunare un documentario sul sistema sanitario americano, un film bellico su una battaglia della Seconda Guerra Mondiale e un dramma contemporaneo? La risposta è che entrambi questi tre film mostrano la vera faccia degli Stati Uniti d’America (e in parte dell’intero Occidente).
L’ultimo film di Michael Moore racchiude in sé tutti i messaggi di protesta e denuncia presenti nelle opere di Clint Eastwood e Paul Haggis.
Guardando "Sicko", non può non tornare in mente quella bandiera USA issata capovolta da Tommy Lee Jones al termine di “In the valley of Elah”. Una immagine che più di mille parole sintetizza la situazione di contraddizione in cui sono caduti da tempo gli Stati Uniti. Quella bandiera capovolta non è solo una richiesta di aiuto, ma è la dimostrazione che l’America non è quella nazione forte, altruista e saggia che ha sempre voluto far credere di essere. E Moore lo racconta bene parlando dei nuovi serial killer della società moderna, le Compagnie d’assicurazione e le case farmaceutiche, che nella loro cieca ricerca di denaro finiscono per uccidere migliaia di persone abbandonandole al loro destino, ma anche testimoniando come molti ospedali “scarichino” letteralmente sulle strade quei pazienti che non possono permettersi di pagare le salatissime cure mediche di cui hanno bisogno. Le caricano su un taxi e le lasciano ai bordi delle strade con ancora il camice ospedaliero addosso. “È questo che siamo diventati?” si chiede Moore. Che razza di America è questa che non aiuta chi ne ha bisogno?

Che non aiuta neanche coloro che hanno rischiato la vita per la propria nazione e per salvare i propri connazionali. Coloro che per lunghi mesi sono stati osannati come eroi e che, ora che i fumi che si alzavano dalle ceneri di Ground Zero si sono ritirati, diventano gente comune, e come tali immeritevoli di un aiuto se non sono in grado di pagare. La seconda parte del film infatti è dedicata ai vigili del fuoco e ai paramedici che proprio a causa di quei fumi e di quelle polveri respirate durante le operazioni di recupero tra le macerie delle Twin Towers si sono ammalati e soffrono di vari disturbi, per lo più respiratori. Nella parte del film probabilmente più forte per gli americani, Moore mostra davvero chi è il “nemico”. Carica su un motoscafo una manciata di questi “ex-eroi” e li porta a Cuba, nella “diabolica” Cuba comunista, l’isola del nemico giurato Fidel Castro. Ma è lì (e non in USA) che i nostri vengono ricoverati in un ospedale locale e curati, ovviamente gratis. È lì (e non in USA) che il paramedico con i polmoni ormai danneggiati può acquistare un inalatore a solo 5 cent. contro i 120 dollari che è costretta a spendere a casa sua. Sono i cubani a salvare la vita agli eroi americani. E sono i vigili del fuoco cubani a mettersi in fila e applaudire i loro colleghi a stelle e strisce. Quegli eroi che in patria sono stati abbandonati. Anche loro.

Così come è accaduto agli eroi di “Flags of our fathers”, i ragazzi della fotografia scattata sul monte Suribachi, osannati dai Signori della guerra e portati in trionfo in giro per gli Stati come galline dalle uova d’oro, non perché ragazzi qualunque mandati a morire e uccidere per una bandiera ma perché protagonisti di uno scatto fotografico che può ridare entusiasmo al popolo americano e convincerlo a pagare le tasse necessarie a finanziare la guerra. Di tutti gli altri soldati morti a Iwo Jima chi se ne frega. Tre ragazzi chiamati eroi, idoli di una intera nazione, che una volta finita la guerra vengono abbandonati al loro destino, dimenticati, lasciati da parte. Come gli uomini e le donne dell’undici Settembre.

Sicko racchiude quindi la morale dei due film scritti da Haggis e più in generale la visione che il cinema americano sta proponendo in questi ultimi anni degli Stati Uniti d’America, nazione sempre più allo sbando e sempre meno esempio da seguire.
Moore colpisce ancora una volta nel segno realizzando quello che probabilmente è il suo film più sentimentale e agghiacciante nello stesso tempo. Con il solito dissacrante umorismo e il montaggio che alterna le immagini documentaristiche a materiale d’archivio, questa volta il regista di Flint abbandona l’attacco diretto ai potenti, come ci aveva abituato con "Bowling to Columbine” a “Fahrenheit 9/11” e dà voce diretta ai parenti delle vittime (e alle vittime stesse) di questi omicidi legalizzati gettando lo spettatore in un incubo che lo lascia con la bocca aperta.
Non prima di essersi chiesto anche lui, come il regista: “È questo che siamo diventati?”

"Il nascondiglio" di Pupi Avati

Le luci si spengono e sullo schermo cominciano a comparire i titoli di testa del film. In sottofondo un tappeto pungente di archi, un misto tra L'esorcista e Lo squalo. Il solito brano horror-style. Il presentimento che stiamo per vedere il solito film horror senza un briciolo di originalità è già nell'aria.
Al termine della proiezione il presentimento diventa certezza. A detta dello stesso Avati, questo film aveva il solo scopo di spaventare il pubblico. Missione fallita. Non solo il film non spaveta, ma ad essere sinceri è difficile anche definirlo un film dell'orrore. Per tutta la pellicola, la protagonista, dopo essersi resa conto che la maestosa e spettrale villa che ha affittato per trasormarla in un ristorante è stata teatro, cinquant'anni prima di un atroce pluri-omicidio e, soprattutto, che lei non è l'unica inquilina della dimora, inizia ad indagare per capire che cosa è accaduto realmente e che fine hanno fatto le due ragazze accusate dell'omicidio che sembrano essere sparite nel nulla. E per questo non fa altro che andare in giro a fare domande a destra e a manca agli abitanti della cittadina, fino a scoprire qualcosa (ovvero che le due ragazze non hanno in realtà mai abbandonato la villa e che vivono da anni nascoste nel condotto d'areazione) che il pubblico ha già capito dall'inizio del film. Anzi da prima ancora. Bastava infatti guardare il trailer per capire che "qualcuno" si nascondesse in casa e poi d'altronde da un film che s'intitola "Il nascondiglio" che puoi andare a pensare? O Avati ci ha presi per fessi o lui di horror non è capace di girarne.

Visto che ad eccezzione della voce spettrale dell'unica ex-ragazza sopravvissuta (ormai ha circa 70 anni) che in piena notte riempie le stanze della villa svegliando la povera Laura Morante e delle atmosfere gotiche (i saloni della villa sono perennemente immersi nella penombra), di horror in questo film non c'è una mazza.

La Morante è brava (e questo si sà) ma il doppiaggio che ha fatto a se stessa (in originale infatti recita in inglese) è freddo ed "estraneo" alla vicenda.

In conclusione Avati riprende lo stra-abusato tema della casa infestata inserendoci di originale il solo fatto che la casa in realtà non è infestata, visto che di fantasmi qui non vi è ombra e che invece la "presenza" che la abita è un essere umano in carne e ossa anche se ormai abituato a vivere come un topo strisciando tra le pareti. L'idea della donna che negli anni si è abituata a vivere nei condotti di areazione trascinandosi dietro il fagotto che racchiude il corpo putrefatto della vecchia amica è sicuramente vincente, ma doveva essere il punto di partenza della storia, non la risoluzione finale del mistero, anche perchè, ripeto, è un mistero che lo spettatore ha già risolto prima ancora che gli archi riempiano i titoli di testa.